Die Tiefen der Finsternis verbergen sich oft hinter dem Vorhang der Komödie. Freud schlug einmal vor, dass „Humor das lebenslustige Es ist, das sich trotz der Proteste des konformistischen Über-Ichs zu erkennen gibt“. Einige der größten Komiker der Welt, wie Robin Williams oder Lenny Bruce oder Richard Pryor, sind der Beweis dafür. Es ist klar, dass Judd Apatow in seiner Arbeit versucht, mit dem Hin- und Herziehen des Vorhangs zu spielen. Er scheint jedoch Mühe zu haben, zu beurteilen, wie lange er den Vorhang noch offen halten kann. Im Fall von The King of Staten Island schöpft Apatow mit der Größe von Pete Davidson fast sein ganzes Potenzial aus.
Der Film stellt sich in einem dunkleren Ton vor. Die Eröffnungsszene ist bewegend; man ist sofort in den Protagonisten investiert. Scott Carlin, gespielt von Pete Davidson von Saturday Night Live, flieht vor der Szene eines kleinen Autounfalls. Scott, der mit fest geschlossenen Augen fuhr, schien – was einige als Panikattacke bezeichnet haben – eine leichte psychologische Episode zu erleben. Es tut mir so leid“, sagt er, als er durch seinen Rückspiegel blickt und weiter in die Ferne fährt. Sie wissen also, dass diese Person, der der Film folgt, nicht nur selbstzerstörerisch, sondern auch sensibel ist, und der Weg, den er einschlägt, ist beunruhigend.
Davidson hat sich sehr lautstark dazu geäußert, wie persönlich dieser Film für ihn ist. Sein Vater war ein Feuerwehrmann, der am 11. September am Ground Zero starb, als er sieben Jahre alt war. In dem Film ist Scott, der 24 Jahre alt ist, immer noch traumatisiert vom Tod seines Vaters, der ein Feuerwehrmann war, der bei der Brandbekämpfung starb. Scott steckt in der Pubertät fest und lebt immer noch zu Hause bei seiner Mutter in Staten Island, wo er aufgewachsen ist. Seine Unfähigkeit, sein Kindheitstrauma loszulassen, hemmte sein Wachstum. Deshalb ist dieser Film nicht nur eine Trauererzählung, sondern auch eine Coming-of-Age-Geschichte über einen widerwilligen Erwachsenen: den Mann-Jungen schlechthin.
Voller Lacher und zärtlicher Momente. Es ist ein Wohlfühlfilm, der die Leere füllt, in die eine Nation, die Unterhaltung braucht, entfliehen kann. Verglichen mit unserer unmittelbaren Gegenwart – es ist ein historisches Stück, das in einer einfacheren Zeit spielt. Scott ist leidenschaftlich, aber es fehlt ihm an Überzeugung. Seine Lösung dafür, dass das Leben an ihm vorbeizieht, besteht darin, die Zeit zu verlangsamen, indem er Gras raucht und Spongebob schaut; dieser Film grenzt an schlaffe Komödie. Und obwohl ich mich in eine Abneigung gegen die Verantwortung des Lebens einfühlen kann – das Leben ist unvermeidlich. Als seine Schwester aufs College geht und seine Mutter einen neuen Freund findet, einen Feuerwehrmann, wird Scott herausgefordert, seine Lebensweise aufzugeben und endlich erwachsen zu werden.
Marisa Tomei, die Scotts Mutter spielt, ist erstaunlich, wie auch der Rest der Nebendarsteller. Sie teilt ein liebenswertes Liebesinteresse, gespielt von Bill Burr, der im Film ebenso brillant ist. Bel Powley, Scotts undefinierte Freundin, trotzt jedem Tropus, unter den sie zu fallen drohte (ich habe sie wirklich vermisst, als sie nicht in einer Szene war). Die Besetzung brachte einen dazu, die ganze Zeit bei ihren Charakteren bleiben zu wollen. Ein Großteil des Humors des Films war in ihrem Austausch zu finden, wie der von Davidson und Burr. Doch die Verletzlichkeit von Davidson war zu sehr von der Verletzlichkeit von Davidson abhängig. Er musste uns durch die Unwahrscheinlichkeit des Charakters tragen, der egoistisch und manchmal gefühllos war.
Die Momente, in denen er eine offene Wunde ist, sind die besten. Irgendwann sagt Scott seiner Freundin, die mit ihm zusammen sein will, warum sie das nicht will. Er sagt zu ihr: „Irgendwas stimmt nicht mit mir. Ich bin psychisch krank. Ich treffe impulsive Entscheidungen. Ich werde manisch, verrückt. Ich habe Angst vor mir selbst“. Er deutet an, dass es beängstigend ist, mit ihm zusammen zu sein. Es ist ein so reiner Moment, der direkt aus dem Herzen kommt. Ähnlich wie der Austausch zwischen ihm und seiner Schwester am Abend vor ihrer Abreise zum College. Seine Schwester, die von Maude Apatow wunderschön gespielt wird, hat Mühe, mit ihm zu kommunizieren, während er seine Rolle in der Familie als der identifizierte Patient weiter ausfüllt – das Geschwisterchen, das ständig Aufmerksamkeit dafür bekommt, dass es „verrückt“ ist, während das andere Geschwisterchen normal genug sein muss, damit die Familie stabil ist. Die Figuren fühlen sich, wie in jedem Apatow-Film, sehr lebendig an. Wäre diese Tonalität gleich geblieben, hätte sich der Film vielleicht nicht so exzentrisch angefühlt, wie er es manchmal tat.
Humor in den Bahnen der Erwachsenen zu finden, die sich abmühen, erwachsen zu werden, ist eine wahrhaft apatowianische Angelegenheit. Eine Trompete, die er mit The 40-Year-Old Virgin, Knocked Up and Trainwreck ins Leben rief. Sein Regiestil ist bekannt für seine heftigen Improvisationen, die in Der König von Staten Island dazu führen, dass der Film als Ganzes ins Wanken gerät. So real sich die Charaktere auch anfühlen, ihre Dialoge sind zuweilen schräg und repetitiv. Apatows Stil ist irgendwie mäandernd. Die Erzählung wird dort zottelig, wo sie enger sein sollte. Nehmen Sie zum Beispiel die Handlung der gescheiterten Versuche seiner Freunde, eine Apotheke mit Oxycontin zu überfallen. Es war nicht entscheidend für Scotts Erzählung, der, offen gesagt, nichts damit zu tun hatte. Es war diese Art von Albernheit, die von der Entstehung des zentralen Bogens ablenkte. Der Film pendelt im Zickzack zwischen Komödie und Drama auf eine unregelmäßige Art und Weise, die dem Publikum genug Zeit nimmt, um die harten Wahrheiten des Films zu verstehen.
The King of Staten Island ist eine Trauererzählung, die Scott in seinem Kampf mit den emotionalen Auswirkungen des Verlusts seines Vaters begleitet. Trauer ist nicht etwas, das einfach nach Belieben verschwindet, und der Film stellt dies erfolgreich dar. Aber das Trauma ist nicht das Einzige, womit diese Figur zu kämpfen hat. Er hat viel mehr Dämonen, in die der Film hätte eintauchen können. Sie haben in der Eröffnungsszene ihre Stärken bewiesen und sind, ähnlich wie Scott, mit einer Entschuldigung davongefahren. Ich fühlte mich jedoch von der Schlussszene angetan, in der wir bei One World Trade mit Scott sind, während ein Lied von Kid Cudi uns ausspielt. Der autobiografische Kontext geht dem Betrachter nicht verloren, der sich mit Petet Davidson am Ort des Schmerzes befindet und bereit ist, mit seiner Trauer eins zu werden. Kid Cudi, der melancholische Soundtrack dieser Generation, eröffnete und schloss den Film perfekt.
Die Stimmung im Kern von The King of Staten Island verdrängt die strukturellen Fragen der Erzählung. Ein Film, der einen zum Lachen und Nachdenken bringt, ist nicht zu verneinen. Ein Film, der einer Nation, die verzweifelt nach etwas Neuem sucht, zur Unterhaltung dient. Und wenn überhaupt, dann bringt er einen dazu, Davidson umarmen zu wollen.
