Das Muster der gefilmten Biopics ist ein schreckliches und trostloses. Seit der 78. Oscar-Verleihung im Jahr 2005, als der manipulative und langweilige Film „Crash“ für seine seichte Darstellung von Rassenspannungen den Preis für das beste Bild erhielt, prägte der Filmemacher Spike Lee den Begriff „Oscar-Köder“, eine Art Film, bei dem die Studios das Potenzial sahen, ausschließlich für das Sammeln von Preisnominierungen zu produzieren, so wie ihre Studioleiter versuchen, Trophäenfrauen zu sammeln und dabei scheitern. Eines der bestimmenden Merkmale, auf das Produktionsfirmen immer wieder gerne zurückgreifen, sind Filme, die „auf einer wahren Geschichte basieren“.
In den kommenden zwei Jahrzehnten eroberte ein Überfluss an unglaublich banalen und simplen Biopics den Markt, von „The King’s Speech“ über „Spotlight“ bis hin zum „Green Book“, von denen alle drei bei ihren jeweiligen Zeremonien mit der Statuette des besten Bildes nach Hause gingen. Während das eine oder andere kauzige Biopic die Grenzen konventioneller Strukturen sprengte und etwas wirklich Großartiges hervorbrachte, wie „Jackie“ oder „Beautiful Boy“, gingen die wenigen Filme, die dazwischen lagen, an die Grenzen des Machbaren und versuchten, etwas Größeres zu erreichen, als einfach nur die Menge zu erfreuen. Noch weniger Filme versuchen im Allgemeinen, ihre primäre emotionale Reaktion als Unbehagen und Unbehagen darzustellen.
Auftritt von Josephine Decker, einer Performance-Künstlerin, Schauspielerin und Experimentalfilmemacherin. Einige Seelen kennen sie vielleicht noch aus der Zeit, als sie sich in ihrer Retrospektive „The Artist is Present“ im Museum of Modern Art nackt vor der Performance-Künstlerin Marina Abramovic entkleidete und vor ihr stand, bevor sie von Sicherheitsbeamten weggeschleppt wurde. Nichts, was Decker anfasst, könnte als normal oder angenehm eingestuft werden, und ihre Filme sind ganz sicher nicht die Ausnahme von der Regel. Mit ihrer früheren filmischen Arbeit „Madeline’s Madeline“ verwischt sie die Grenzen zwischen Theater und Realität, „Shirley“ durchbricht den schmalen Grat zwischen fiktionalen Romanfiguren und realen Menschen.
Nach dem Leben der Horrorautorin Shirley Jackson im Jahr 1964, als ihre Gesundheit und Stabilität nachließ, zieht ein junges Paar, Rose und Fred Nemser, mit Jackson und ihrem Professor-Ehemann Stanley Hyman zusammen, in der Hoffnung, ein neues Leben zu beginnen. Als Shirley sich mehr und mehr für die Liebenden interessiert, stellen sie fest, dass ihr Leben von ihnen abgesaugt und manipuliert wird, während sie beginnen, ihre Realität und ihre fiktive Persönlichkeit zu verwischen.
Die meisten Künstler scheinen eine Abneigung dagegen zu haben, Kunst zu schaffen, die den Betrachter zutiefst herausfordert oder es wagt, ihm Übelkeit zu bereiten. Die meisten Menschen betrachten Kunst als eskapistisches Futtermittel, um ihren Verstand abzuschalten und für ein paar Stunden angeregt zu werden, was absolut gültig ist, und es gibt viele sehr unterhaltsame Filme, die diese Quote erfüllen. Für mich persönlich ziehe ich es vor, als Zuschauer in eine unterwürfige Position versetzt zu werden und etwas zu erleben, das gutturale Emotionen und Verwirrung hervorruft. Die meisten meiner Lieblingsfilmemacher sind diejenigen, die Werke schaffen, die mich erschrecken oder verwirren, und Decker ist ein Meister in der Vermittlung reißerischer und kränklicher Filme, die einen noch lange nach dem Abspann zum Nachdenken bringen.
„Shirley“ nimmt dies mit großen Schritten auf, und jeder Aspekt des Filmemachens spiegelt diese Gallenatmosphäre wider. Der norwegische Kameramann Sturla Brandth Grøvlen, der den 138-minütigen, fortlaufenden Ein-Take-Film „Victoria“ gedreht hat, fügt dem schmalen Produktionsdesign des Hauses einen sehr klaustrophobischen und surrealen Look hinzu, mit grellen Obertönen von queligen Orangen und Grün- und Gelbtönen, die das allgegenwärtige Unbehagen der Charaktere noch verstärken. Der Film wurde auf dem Arri Alexa Mini mit den Super-Baltar-Objektiven von Bausch & Lomb aus den späten 1960er Jahren gedreht, was den Kostümen und der sich ablösenden Tapete, die über die Inszenierung verstreut sind, einen Hauch von filmischer Nostalgie verleiht.
Sarah Gubbins‘ adaptiertes Drehbuch nach dem von Susan Scarf Merrell geschriebenen Original ist passend chaotisch und im Delirium, mit unglaublichen und natürlich unnatürlichen Dialogen, einer ausgefeilten Charakterbildung und einer bizarren und einnehmenden Beziehung zwischen Shirley und Rose, die als Klebstoff fungiert, der den emotionalen Kern der Geschichte festhält. Die schauspielerische Leistung ist vielleicht der beste Aspekt des Films, wobei jeder Schauspieler nicht weniger als herausragende Leistungen bringt. Michael Stuhlbargs schmierige und arrogante Persona ist eine absolute Wucht, „Assassination Nation’s“ Odessa Young ist ein wunderbar gedämpfter Feuerball, der viele Szenen zum Explodieren hat, und dies ist Elisabeth Moss‘ bisher beste Darstellung. Sie verschwindet in einem Hautkostüm von Jackson und verwandelt sich völlig, bis hin zur Art, wie sie ihr Glas Wein hält und wie sie ihre Oberlippe kräuselt.
Die unglaublich unbehagliche und aus dem Rahmen fallende Partitur von Tamar-kali ist gefüllt mit Saiten, die scharf genug sind, um Grashalme zu schneiden, als eine seltsame Mischung aus universellen Klangeffekten und Foley-Interplay, die zu den Beats der Musikkomposition passen. Die Musik, gemischt mit einer wilden Mischung aus kaskadenartigen Chorgesängen und experimentellen Instrumenten, passt hervorragend zum Geist von Shirley Jackson. Dies ist derzeit der beste Film, den ich in diesem Jahr gesehen habe. Dies ist ein Film von purem Ehrgeiz und unverfälschter Kreativität, und je mehr solche Filme gemacht werden können, desto näher kommen wir unglaublichen Autorenfilmern wie Josephine Decker, die immer größere Projekte realisieren. Da Martin Scorsese für diesen neuesten Film von ihr als Produzent fungiert, würde ich sagen, Decker hat große Pläne am Horizont.
