Jedes Jahrzehnt werden Hunderte von erstaunlichen Filmen veröffentlicht. Und auf dem absoluten Höhepunkt dieser Filme gibt es jene zwei oder drei Filmemacher, die auftauchen, in die man sich absolut verlieben wird. Für mich ist einer dieser Filmemacher Ari Aster. Seine Art von emotional verheerenden und dramatischen Charakterstudien, verpackt in den perfektionistischen Rahmen von Horrorfilmen, sorgen für ein absolut viszerales und erschütterndes Kino. Mit seinem Abschlusskurzfilm „The Strange Thing About the Johnsons“ vom AFI Film Institute und seinem Regiedebüt „Hereditary“ zementierte er sein außergewöhnliches Talent, dem Zuschauer Angst und Verzweiflung einzuflößen und gleichzeitig ein visuell und thematisch atemberaubendes Kinoerlebnis zu bieten.
Als ich den Teaser-Trailer zu „Midsommar“ zum ersten Mal sah, war ich hin und weg. Dieser Film, der als Horror vermarktet wurde, war unglaublich farbenfroh und unter gleißend hellem Sonnenschein gedreht, und er war dazu bestimmt, etwas extrem Einzigartiges zu werden. Was ich nicht erwartet hatte, war, am Eröffnungsabend im Theater zu sitzen und zuzusehen, wie sich mein Lieblingsfilm der letzten acht Jahre vor meinen Augen entfaltete. Trotz meiner Überraschung ist das Überraschendste an „Midsommar“, dass es nicht wirklich ein Horrorfilm ist. Sicher, es gibt eine ganze Reihe von schrecklichen Momenten, aber es ist hauptsächlich ein Charakterstudien-Drama über eine giftige Beziehung, die beim Aufbau einer anderen zerbröckelt.
An diesem heutigen Tag, dem 3. Juli 2020, ist ein Jahr seit der Premiere von „Midsommar“ vergangen, und zu Ehren dieses Jubiläums dachte ich, ich würde analysieren, warum er so unglaublich eindrucksvoll und gut umgesetzt ist. Zu Beginn: Das Kernelement des Erfolgs dieses Films ist sein Drehbuch. Die Art und Weise, wie Aster die Dynamik dieser Beziehung schreibt, ist in ihrer Leichtfertigkeit und ihren Beats ganz natürlich. Die Momente beginnen mit unbehaglichem Schweigen und unbehaglicher Ruhe und eskalieren innerhalb weniger Minuten zu Hysterie und Verurteilung, aber auf eine Art und Weise, die die Perspektiven und das Verhalten der einzelnen Charaktere auf sehr reife Weise langsam vorantreibt.
Dieselbe Reife und Authentizität setzt sich in der Dialog- und Erzählstruktur fort. Die Art und Weise, wie jede Figur entwickelt und motiviert wird, ist so durchdacht und präzise. Dani ist mit Leichtigkeit eine meiner Lieblingsfiguren, die seit Jahren aus jedem Film herauskommt. Das Schreiben und der Umgang mit ihrer Trauer und ihrem Kummer ist so schmerzhaft echt, und es trägt dazu bei, dass sie durch eine verblüffende Darstellung aufgehalten wird. Florence Pugh gibt das, was ohne Frage meine Lieblingsvorstellung des letzten Jahrzehnts ist. Eine so überzeugende und brutal realistische Darstellung von Depression und Verzweiflung wie diese habe ich seit 2009 mit Charlotte Gainsbourgs Auftritt in „Antichrist“ nicht mehr gesehen. All die winzigen Details und Manierismen, die sie ihrem Charakter verleiht, sind so extrem vielschichtig. So sehr, dass ich bei meinen fast vierzig Aufführungen dieses Films kein einziges Mal nicht noch mehr Feinheiten bei jeder Wiederholung bemerkt habe.
Wo wir gerade von Feinheiten sprechen, dies ist ein Film, in dem die Details unglaublich in jedes einzelne Bild hineingepackt sind. An jeder Wand ist ein Gemälde oder Kunstwerk zu sehen, das ein zukünftiges Ereignis vorwegnimmt, jedes Kostüm ist aufwändig detailliert, und die Eröffnungsaufnahme des Films ist ein wunderschönes und raumgreifendes Gemälde, das die Ereignisse des Zukünftigen darstellt. Die grausigen und beunruhigenden Aspekte des Films basieren alle auf echter schwedischer Folklore, es werden immer wieder Zahlensymbole eingefügt, die an das schwedische Dorf erinnern, und in den Hintergründen fast jeder Einstellung sind Ostereier versteckt. Die Verwendung von visuellen Effekten, mit denen die visuellen Halluzinationen von Psilocybin während der Verwendung durch die Charaktere makellos nachgebildet werden, ist überwältigend ehrgeizig und fügt einem beträchtlichen Teil der Bildschirmzeit einen unglaublich weltfremden und surrealen Aspekt hinzu. Die Liebe zum Detail bei der Pupillenerweiterung und wie sich das Verhalten der Menschen verändert, das Sounddesign während dieser Sequenzen, die praktischen Effekte und das Make-up, das alles ist einfach wunderbar.
Die offensichtlichen Herausragenden in Bezug auf die Präsentation sind die visuellen Aspekte. Pawel Pogorzelskis absolut phänomenale Kinematographie gehört zu den besten, die in diesem Jahrhundert bisher entstanden sind. Der Einsatz motivierter Kamerabewegungen, die Mise-en-Scène und das Blockieren der Kamera und der Charaktere in den Sets, die wahnsinnige Koordination, die nötig war, um so viele komplexe Aufnahmen zu machen, und die Verwendung von Tiefenschärfe, um dieses allgegenwärtige Gefühl der Isolation zu verstärken, all das ist einfach filmische Erhabenheit. Auch die Verwendung von Farbe ist einfach außergewöhnlich, und es gibt nur wenige Filme, die den Reichtum so vieler Farben wirklich zur Geltung bringen, ohne das Bild zu übersättigen. Pogorzelski drehte den Film auf der Panavision Panaflex Millennium DXL2, mit 5K Auflösung für die US-Szenen, 8K Auflösung für die Schweden-Szenen, und endete mit einem 4K Digital Intermediate. Das Ergebnis ist ein großformatiges Bild, das filmisch berauschend ist.
Was hilft, diese außergewöhnlichen visuellen Darstellungen zu ergänzen, ist die Stärke der Elemente Ton und Originalmusik. Das Sounddesign ist so reichhaltig ausgefeilt und fachmännisch ausgeführt. Alles, von der Beleuchtung eines Streichholzes über die glänzende Geräuschkulisse im Freien bis hin zur Bearbeitung der Tonebenen der Gespräche verschiedener Personen durch ihre relative Position zur Kameraposition, das alles ist so herausragend. Die Musik von Bobby Krlic, auch bekannt als The Haxan Cloak, ist unglaublich beeindruckend. Mit seinen wunderbaren Streicherkompositionen und der bittersüßen Mischung aus traumhafter akustischer Glückseligkeit und eindringlichen albtraumhaften Momenten fungiert er als musikalische Darstellung der emotionalen Evokation des Films. Schock und Ehrfurcht.
Die Art und Weise, wie Ari Aster diesen Film inszeniert, ist einfach atemberaubend. Es fühlt sich an wie ein neuer Kubrick, der seinen eigenen, unverwechselbaren Stil in Echtzeit entwickelt, es ist so elektrisierend und mitreißend für jeden Moment. Er ist absolut hypnotisierend, und es gibt keinen einzigen langweiligen Moment. Bei 147 Minuten fühlt sich nichts an, als könnte es hinzugefügt oder gekürzt werden. Das ist höchstwahrscheinlich der Grund, warum mir der Erweiterte Director’s Cut nicht besonders gefallen hat. Obwohl er mehr Szenen hinzufügt, ruiniert er wirklich das Tempo und die langsame Dynamik, die der Film so gut aufbaut. Es war definitiv am besten, ihn auf dem Boden des Schneideraums so zu belassen, wie er ursprünglich war. Jede Nebenvorstellung ist fantastisch, und es gibt keinen Mangel an unglaublichen Momenten für jeden Darsteller.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass „Midsommar“ die Verschmelzung all dessen, was ich liebe, in einem Film ist. Die technische Ausführung ist unglaublich, jeder Aspekt des Films ist zielgerichtet und verstärkt die Bedeutung des jeweils anderen, das Schreiben ist ausgezeichnet, der Regisseur hat eine klare und deutliche Vision, dass sie einwandfrei kommunizieren, und es lässt Sie Emotionen empfinden, wie es nur die größte Kunst kann.
„Midsommar“ steht derzeit zum Streaming in 4K UHD für Amazon Prime Mitglieder zur Verfügung. Starten Sie Ihre kostenlose Testversion von Amazon Prime hier.
