Die Veröffentlichung von Celine Sciammas „Portrait einer jungen Frau in Flammen“ zur Criterion Collection am 23. Juni hat das Interesse an dem Film geweckt, das einige Zuschauer verpasst hatten. Es ist ein erstaunlich trauriges Werk – eine Geschichte von Sehnsucht, Schönheit und Erinnerung inmitten der Darstellung einer trostlosen und schwierigen Welt.
Inmitten der wütend krachenden Wellen, des stürmischen Klimas und der dominierenden zerklüfteten Klippen der Bretagne liegt etwas wahrhaft Zartes und Zärtliches. Die Erhabenheit all dessen sättigt die Leinwand – das weiche Umgebungslicht und die warmen Farben im Kontrast zum blauen Meer und den weißen Klippen. Es ist ein modernes Wunder, ein digitales Porträt, und in seinem Herzen finden wir immer noch eine funkelnde visuelle Darstellung des Frankreichs des späten achtzehnten Jahrhunderts. Dieses ergreifende Bild, das von der brillanten Celine Sciamma geschrieben und inszeniert wurde, gibt nicht nur Einblick in die unendliche Tragödie der flüchtigen Liebe, sondern zeigt auch, wie die Kunst die feinsten Feinheiten der menschlichen Erfahrung einfangen kann, vielleicht sogar genauer als das Leben selbst. Die Kunst bewahrt, was das Leben aushöhlt, deshalb stellt sich bei „Portrait einer jungen Frau in Flammen“ die Frage: Ist es besser, geliebt zu haben und loszulassen – diese ungezügelte Leidenschaft heilig und ewig zu halten – oder diese Liebe verrosten zu lassen? Unsere Figuren wenden sich für ihre Antwort an Orpheus.
Die griechische Legende von Orpheus, der sich auf der Suche nach seiner Geliebten Eurydike in die Tiefen der Hölle stürzt, erzählt von einem Mann, der bereit ist, für die Liebe seines Lebens alles zu riskieren. Er schließt ein Abkommen mit Hades – Orpheus und seine Geliebte können gemeinsam in die menschliche Welt zurückkehren, solange er sie nicht ansieht, bevor sie die Oberfläche erreichen. Als Orpheus kurz davor ist, die Schwelle zu überschreiten, wendet sich Orpheus um und blickt auf Eurydike, die ihrerseits für immer von ihm weggeholt wird.
In der Mitte des Sciamma-Films sitzen die drei Hauptfiguren eines Abends um einen Tisch bei Kerzenlicht und grübeln darüber nach, warum genau er diese Vorgehensweise gewählt hat. Sophie (Luana Bajrami), die junge Dienerin, die in der Schuld des Guts steht, ist sichtlich beunruhigt über die Geschehnisse dieser Geschichte, während Heloise (Adele Haenel), die jüngere Tochter einer fernen Mutter, antwortet, dass er einfach nicht widerstehen könne, seine Geliebte anzuschauen. Marianne (Noemie Merlant), die wehmütige Malerin, deren Perspektive uns durch den Film führt, bemerkt scharfsinnig, dass Orpheus die totale Kontrolle hatte. Er „trifft nicht die Wahl der Geliebten, sondern die des Dichters“, indem er die Erinnerung an seine Geliebte über Eurydike selbst wählt.
Auch Orpheus hat sich noch nicht an unsere Geschichte herangewagt. Nachdem die meisten Ereignisse des Films stattgefunden haben, sehen wir, wie Marianne eines ihrer Gemälde in einer Galerie einreicht, gezwungenermaßen unter dem Namen ihres Vaters, wo sie die Reaktionen der Schaulustigen beobachtet. Das Thema des Gemäldes war der endgültige Abschied von Orpheus und Eurydike, aus offensichtlichen Gründen. Orpheus hat sich bewusst dafür entschieden, sich an ihre Liebe in der Höhe zu erinnern, denn er wollte nicht, dass sie verwelkt und zu etwas völlig Unerkennbarem verkümmert. Die Figuren in Sciammas Ode an die Sehnsucht umfassen ihre jeweiligen Realitäten, in einer Gesellschaft, die Frauen stark einschränkt, müssen sie ihre wahren Gefühle unter dem Schleier des Geheimnisses bewahren. Am Ende des Films wird jedoch überdeutlich, dass diese Emotionen zwar verborgen bleiben, ihre Existenz aber nicht geleugnet werden muss.
Die Geschichte ist eine Geschichte von zwei Menschen, die durch die Ungerechtigkeiten einer unterdrückenden Gesellschaft zusammengebracht und dann wieder zusammengebracht wurden. Marianne reist inmitten der tückischen Wellen in die Bretagne, um auf Bitten ihrer Mutter Heloise zu malen. Heloise ist das letzte lebende Kind ihrer wohlhabenden Familie und wurde aus dem Kloster, in dem sie viele Jahre gelebt hatte, abberufen, um zu heiraten. Sie soll einen wohlhabenden Mann aus Mailand heiraten, und zu diesem Zweck hat er um ihr Porträt gebeten. Der Knick in den Werken ist, dass Mariannes Thema so unwissentlich sein muss, da Heloise in voller Rebellion ist – was kann sie schon tun. Sie weigert sich zu posieren, weil sie nicht bereit ist, eine Person zu heiraten, die sie nicht liebt – oder nicht kennt. In den nächsten zwei Wochen bilden die beiden ein bedeutsames Band, das sie durch eine glühende Reise der Liebe und des Verlusts, des Lebens und des Todes und all der Feinheiten führt, die man auf dem labyrinthischen Weg findet, der die beiden verbindet.
Die liebeskranke Odyssee ist abgerundet, besitzt aber im Kern eine hinreißende visuelle Aura, die den Betrachter mit einem Fest für die Sinne überflutet. Es ist unmöglich, sich durch diesen Film zu setzen und nicht einfach jedes Bild zu bestaunen, als ob die natürliche Schönheit nicht in einer Reihe von glänzenden Pastellfarben wie satten und öligen Farben auf einer leeren und nackten Leinwand getränkt worden wäre. Die Musik überwältigt selten die visuelle Darstellung in „Portrait einer jungen Frau in Flammen“, doch wenn der Abspann beginnt und die Musik in den letzten fünf Minuten anschwillt, ergießt sich die Sensation einfach. Die Kamera blickt von der Seite auf Heloise, in einem Moment bewusster Bewusstlosigkeit oder ignoranter Glückseligkeit, und dabei strahlt die Emotion aus. Es hatte sich aus Frustration und Wut für den größten Teil von zwei Stunden, in Wirklichkeit wahrscheinlich Jahre, aufgestaut, bis die Dämme brechen und die Sintflut weiterfließt.
Die größte Leistung, die ein Film erbringen kann, besteht darin, dass er uns die fiktiven Menschen, die wir seit höchstens ein paar Stunden kennen, vor Augen führt und uns zum Nachdenken zwingt. Wir fürchten um ihre Sicherheit, hoffen auf ihr Glück und legen in Zeiten der Verwüstung und Einsamkeit unser Herz an das ihre. „Porträt einer jungen Frau in Flammen“ erlaubt es uns, die harten Realitäten einer grausamen Welt zu akzeptieren, während es uns gleichzeitig zwingt, nach Besserem zu suchen, um ein Gefühl der Hoffnung zu bewahren, so winzig es auch sein mag. Das liegt daran, dass die Welt nur so böse ist, wie man sie macht. Mit Akzeptanz können wir die unverfälschte Freude des Lebens, die am deutlichsten in der Kunst begründet ist, annehmen, und mit diesem Verständnis lernen wir, loszulassen. Sie verändert weder die Kraft noch die Länge des Schmerzes, den die Sehnsucht mit sich bringt, wie es die Flüchtigkeit des menschlichen Daseins ist. Es stellt einfach sicher, dass wir damit leben können und es nie vergessen.
„Porträt einer jungen Frau in Flammen“ ist ein zart fließender Strom eines Films, der Sie langsam, wie bei einem Wiegenlied, beruhigt, bis die volle Glut der Emotionen über die Leinwand huscht und sie entzündet. Der Betrachter wird von einer Fülle von Emotionen überflutet, von denen einige identifiziert werden können und andere nicht. In vielen Momenten wird das Glühen des Ganzen übersetzt, wenn die Charaktere im Laufe einiger mitreißender Tage beginnen, einander zu umarmen. Feuer ähnelt Emotionen – beide sind aufsässig und unregierbar – und so vernebelt eine brennende Dame die Regeln einer erstickenden Gesellschaft. Das Zusammenwachsen mit ihm mag einfacher sein, doch die Emotionen, die dieses Verlangen angetrieben haben, lassen sich niemals unterdrücken.
