Die Filmografie von Sofia Coppola: Eine Feier der Traurigkeit

Es ist so selten, dass man ein Talent findet, das über ein Genre oder einen Prototyp hinausgeht und eine unverwechselbare Stimme und Ausstrahlung hervorbringt, die man durch einen einfachen Blick auf die Leinwand erkennen kann. Die Aufgabe eines Filmemachers besteht nicht nur darin, die Geschichte einiger weniger fiktiver oder fiktionalisierter Menschen durch eine Reihe von festgelegten Ereignissen zu erzählen, sondern vielmehr die unzähligen Emotionen auszudrücken, die durch ihre Adern strömen, und die dünne Trennlinie zwischen Fiktion und Realität zu verwischen. Das Leichentuch, das das Publikum verhüllt, wird sich in den seltensten Fällen auflösen, wenn der emotionale Kern eines Films über die Leinwand hinausgeht und den Zuschauer auf der intimsten aller Ebenen erreicht. Wenn eine solche Leistung vollbracht werden kann, enthüllt ein Filmemacher nicht nur das Innenleben der Seelen seiner Figuren, sondern auch das seiner eigenen.

Sofia Coppola schildert eine schwache, abgestumpfte Bildsprache, die sich zu etwas ganz und gar Widerspenstigem entwickeln kann, da ihre Welten das Fassungsvermögen der Figuren übersteigen. Sie erforscht Charaktere, die sich im Sumpf eines depressiven Hirnnebels und der Unausweichlichkeit der modernen Einsamkeit befinden. Allein durch die Verwendung ihrer Titel gehen viele ihrer Charaktere in der Übersetzung oder auf der Suche nach einem Ort verloren, ohne zu wissen, wo sich dieser erhabene Ort befindet. Sie verurteilt ihre innere Trauer nicht, sondern gibt ihnen den Raum, alles herauszufinden. Wir sehen zwei verlorene Seelen, die einander und damit sich selbst in den hektischen Straßen Tokios finden, einen Schauspieler, der ein sinnloses Dasein führt und in seinem schwarzen Ferrari dieselbe schmutzige Schleife entlangfährt, ein junges Mädchen, das gezwungen ist, den Erwartungen ihrer Gesellschaft zu entsprechen, um die Interessen ihrer Familie zu fördern, ganz allein in einem fernen Land. Viele von Coppolas Figuren sind isoliert, ob sie es nun wollen oder nicht, und aus diesem Grund erleben sie die Welt um sie herum nicht wie andere.

Die Lissabonner Schwestern von „Die jungfräulichen Selbstmörderinnen“ werden so lange angestarrt und bestaunt, bis sie in einem Gefängnis verschwinden, das durch die erdrückende Art der Verurteilung herbeigeführt wurde. Die Forderungen ihrer Gesellschaft decken sich nicht mit irgendeiner ergründbaren Strecke der Realität, und deshalb werden sie bestraft, getadelt und für die Ewigkeit versteckt – bis sie das Einzige tun, was sie aufbringen können. Die Menschen in der Umgebung der Schwestern in Lissabon stützten sie darauf, dass sie einen besonderen, undurchdringlichen Raum bewohnen – vor allem die Teenager, aus deren Perspektive sich die Erzählung visuell erfahrbar macht. Die Kamera blickt von hinten auf sie, oft durch ein Tor oder ein geschlossenes Fenster verdeckt, und macht diese jungen Frauen unzugänglich. In Wahrheit sind sie in jeder Hinsicht einfach menschlich – sie besetzen im Vergleich zur schwarz-weißen Welt der Vorstädte weite Grauzonen.

Diese Perspektive wechselt in „Lost in Translation“ – Coppolas meistgesehenem und gefeiertem Film – schnell, wo der Zuschauer die Perspektive der Protagonisten einnimmt, die von ihren jeweiligen Realitäten verschluckt wurden. Zwei Amerikaner, die in Japan leben, können scheinbar keine greifbare Beziehung zu einem anderen Menschen herstellen – ein Übermaß an Reizen schafft Ennui. Bob Harris (Bill Murray) scheint nicht zu begreifen, wer er geworden ist, ein alternder Schauspieler, der den einst lebendigen Funken, den er mit seiner Frau teilte, verloren hat. Er liebt sie und ihre Kinder, aber manchmal reicht Liebe nicht aus, um einen vorwärts zu treiben, sie könnte jedoch ausreichen, um ihn zu ertränken. Charlotte (Scarlet Johansson) ist zu jung, um zu wissen, wer sie wirklich ist, ein Ehemann, der vom Terminkalender eines vielbeschäftigten Fotografen dominiert wird und sie allein an der Peripherie des Bildes zurücklässt. Dann geschieht etwas Magisches, Bob und Charlotte finden zueinander. Das Gleichgewicht ist wiederhergestellt, und sie haben Bedeutung für einen flüchtigen Moment des Jubels, bis er vergeht. Dennoch ist es geschehen, und das kann nicht ausgelöscht werden.

„Marie Antoinette“, die von ihren wachen Momenten an mit Stil schmettert – zu der Melodie von Gang of Four’s „Natural’s Not in It“ – und dann überläuft wie der seidige, goldene Champagner auf dem Stapel sortierter Gläser. Die gleichnamige in Österreich geborene Königin von Frankreich gewinnt einen Platz in einem neuen Land, gewinnt Freunde und baut Beziehungen auf, bis sie gezwungen ist, sich endgültig zu verabschieden. Am Anfang hat sie niemand anderen als den österreichischen Botschafter in Frankreich (Steve Coogan), da sie das Geflüster der Zuschauer über die Fehler ihrer Ehe oder ihren Status als „österreichische Spionin“ annehmen muss. Doch sobald sie ihren Schritten nachkommt, kann ihre glühende innere Begeisterung endlich durchscheinen. Der Prunk des Ganzen ist wahnsinnig kühn, und die Anachronismen – am offensichtlichsten die Tonspur – machen deutlich, dass Coppolas Geschichte zwar dem Namen nach dem Frankreich des 18. Vielmehr zapft sie universelle Wahrheiten an, es handelt sich lediglich um die Geschichte eines einsamen Mädchens im Teenageralter, dessen Lebensumstände weit über das hinausgehen, was man von einem Menschen erwarten kann.

„Somewhere“ ist vielleicht Coppolas dezentestes Merkmal, das wie eine Miniaturausgabe von „Lost in Translation“ funktioniert und gleichzeitig in vielerlei Hinsicht über seine Grenzen hinausreicht. Diejenigen, die isoliert sind, werden auf demselben Umweg festgehalten, sein Halt kann nicht ohne einen starken Impuls überdauern. Johnny Marco (Stephen Dorff) durchkreuzt leere Beziehungen auf die gleiche Weise, wie er durch die Straßen von Los Angeles rast und sich schlängelt – wie es die wunderschöne fotografische Cinematografie von Harris Savides beleuchtet und zu den leisen Tönen von Phoenix spielt. Cleo (Elle Fanning) dient als dieser Impuls zu Johnnys Leere, da seine Tochter ihm einen Sinn gibt, den ihm all die endlose Prozession von Models und der Reichtum seines Glamours genommen hat. Er begreift dies zu spät, und doch kann er noch seinen Weg finden, er kann noch irgendwo hingehen, und seine Tochter wird sicher an seiner Seite sein.

Coppolas Filmografie ist umfangreich und vielfältig; diese vier Filme unterstreichen jedoch, wie sehr ihr wahrer Stil mit Emotionen rechnet. Wir sehen dies in den Schnappschüssen aus niedrigem Winkel, die sich durch hohes Gras winden, oder in den Handaufnahmen, die dicht hinter unseren unbekannten Figuren folgen, während die Filmmusik anschwillt. Manchmal trompeten sie die Hoffnung aus, ein anderes Mal akzentuieren sie das verblassende Glühen äußerer Schönheit inmitten innerer Qualen, oder sie zeigen sogar den Schrecken der stillen Schläge gegen eine Welt, die sich weigert, Kompromisse einzugehen. Letztlich haben diese winzigen persönlichen Geschichten keinen geringeren Einfluss als Umfang und Ausmaß der epischen Ausmaße, die ihr Vater, Francis Ford Coppola, routinemäßig zur Schau stellte. Für viele kann der hohle Nebel, der über diesen Filmen hängt, eher tröstlich als verzweifelt wirken. Während wir Coppola nach diesen drängenden Antworten suchen, verrät sie schweigend, dass es manchmal keine guten Antworten gibt, macht aber auch deutlich, dass diese Wahrheit die Suche niemals aufhalten sollte.